Este ensayo funciona como mínimo en tres niveles, y es esta variedad de capas y significados lo que le confiere excepcionalidad y lo convierte en uno de los textos musicales más apasionantes y valiosos de los últimos años. En la superficie, se trata de una reflexión acerca de uno de los grupos más influyentes del hip hop, A Tribe Called Quest, una formación liderada por Q-Tip, Phife Dawg y Ali Shaheed Muhammad que encabezó el movimiento Native Tongues en la década de los noventa. A Tribe Called Quest buscó puntos de conexión entre el rap y la gran tradición del jazz y otras corrientes de la historia negra americana, y se convirtió en el grupo de culto por excelencia de su tiempo, una exquisitez que, aunque no conquistó el éxito masivo, sí se ganó el respeto eterno de miles de fans. Pero más allá de la biografía y del análisis crítico de los discos de A Tribe Called Quest, este libro deviene algo muy superior: es una carta de amor a la música y a la importancia de dar con referentes que determinen el curso de una vida y una carrera. Hanif Abdurraqib no solo habla de su grupo favorito: habla de sí mismo, de lo que es ser afroamericano en Estados Unidos en la actualidad, de lo que significa ser fan y vivir la afición con intensidad y sin concesiones.
Y más allá todavía, Go Ahead in the Rain analiza el peso histórico que ha tenido a lo largo de más de un siglo la música negra en el desarrollo de la cultura popular americana. El libro se remonta hasta la esclavitud, al nacimiento del jazz y el blues, para explicar cómo la evolución de esta música ha estado conectada durante décadas con la lucha política y la reclamación ?todavía hoy candente y de plena actualidad? de que todas las vidas importan en un país que, por momentos, ha parecido darle la espalda de manera descarada a la población y la tradición afroamericana.
Así, en este libro, A Tribe Called Quest es una feliz excusa para hablar, con una exquisita prosa lírica, de la historia de un movimiento y de una música que contribuyen a explicarnos el mundo en que vivimos.

Con un siglo de historia a sus espaldas, y habiendo sido una fuerza de cambio y desarrollo decisiva en la música del siglo XX, ¿cuál es el lugar del jazz en el siglo XXI? ¿Sigue representando una corriente fuerte, innovadora y con valor cultural en nuestro mundo cambiante, o debe resignarse a reproducir los patrones del pasado para el consumo de una minoría elitista? Según Nate Chinen, el jazz está actualmente en pleno proceso de transformación, de adaptación a los nuevos tiempos, y aunque es verdad que vive a la sombra de fenómenos más populares como el pop y el hip hop, su impacto en la cultura contemporánea sigue siendo notable. El jazz del siglo XXI es heredero de la evolución del género hasta su última fase de cambio decisiva, la fusión de principios de los setenta, que resolvió la crisis de identidad que se dio tras la muerte de John Coltrane, y una vez liberado de la presión de tener que ser la música más singular y compleja de su tiempo, el jazz ha vuelto a recuperar sus raíces y a reinventarse a la luz de las nuevas tecnologías, los últimos cambios sociales y la crisis global de la industria discográfica. Playing changes es el primer ensayo que aborda el jazz no como historia pasada, sino como una fuerza viva que todavía hoy sigue creando obras valiosas, generando discursos estimulantes y dialogando tanto con la tradición como con otros géneros. En su viaje por el jazz del siglo XXI, Nate Chinen toma a las figuras centrales del jazz actual –como Kamasi Washington, John Zorn, Brad Mehldau, Flying Lotus y Cécile McLorin Salvant– como hilos conductores de cada uno de los capítulos para repasar la historia del género en relación con el pasado y con sus posibilidades de futuro, una vez conectado con el hip hop post-millennial, el R&B y los discursos del ruido y de la producción electrónica. El jazz es una música que sabe adaptarse a los nuevos tiempos –así lo demuestran las obras del saxofonista Steve Coleman, el pianista Vijay Iyer o la bajista Esperanza Spalding, entre otros protagonistas del libro–, y Playing changes funciona como una guía esencial para entender y adentrarse en esta nueva realidad compleja del jazz.

• Traducción de Héctor Castells Albareda.

A mediados de los años ochenta, la ciudad de Detroit se convirtió en el centro de una fascinante revolución musical que terminaría por cambiar la manera de escuchar y de bailar en todo el mundo. En los institutos, en los clubes underground y en la radio estaba tomando forma el techno, un género de música electrónica derivado simultáneamente del funk, el pop sintético europeo, la música disco, el house de Chicago y la influencia de los alemanes Kraftwerk. Esta música sentía una profunda fascinación por el alma de las nuevas máquinas creadoras de sonidos, la promesa de un futuro tecnológico utópico propuesta por los primeros gurús de la cibercultura y la exploración del espacio exterior. La primera generación de artistas y DJs de Detroit ?Juan Atkins, The Electrifying Mojo, Jeff Mills, Derrick May? dio con un enfoque musical y filosófico único que, de manera accidental e imparable, se extendió a Europa para alterar para siempre la historia de la música electrónica de baile.
¿Por qué sucedió concretamente en Detroit? ¿Por qué esta ciudad se ha convertido en un lugar mítico, todavía reverenciado por los aficionados al techno más de treinta años después de su nacimiento? En este estudio profundo y pionero, Dan Sicko ?testigo de los acontecimientos durante buena parte de la expansión del techno? traza la evolución histórica, desde su nacimiento hasta su consolidación masiva a principios del siglo XXI, del estilo de música electrónica más conscientemente futurista, tecnológico y ensoñador (y también el más frío y denso, como la textura del metal en una fábrica). Y, por supuesto, dando voz a todos sus protagonistas. Así es como empezó todo. Bienvenidos a Detroit, «techno city».
Acompaña el ensayo un atinado y esclarecedor prólogo de Javier Blánquez, autor de "Loops: Una historia de la música electrónica en el siglo XXI".

Franz Liszt, considerado como un renovador de formas, es, según Vladimir Jankélévitch, el paladín de la modernidad musical, el que mejor supo expresar, después de Chopin, el nuevo giro estético de la Europa del siglo XIX, opuesta al universalismo abstracto de la sinfonía y al totalitarismo del conservatorio vienés.
Con la afirmación de los derechos nacionales e incluso provinciales, el así llamado salvajismo de la rapsodia da por fin la espalda a la música solemne, y comienza la revolución de la humildad. Liszt, en consonancia con su mundo, dio voz así a lo terreno, igual que Victor Hugo hizo con los miserables y, de este modo, junto a las piezas de Músorgski, Bartók o Albéniz, se fueron abriendo nuevos territorios musicales, comenzó la era de la improvisación.
La obra de Jankélévitch, gran apasionado del compositor húngaro, combina en este estudio la filosofía y la música, y desbroza nuevos paisajes poéticos alrededor de la estética lisztiana, cuyo alcance es, a día de hoy, todavía inconmensurable.
• Vladimir Jankélévitch (Bourges, 1903 – París, 1985) fue uno de los mejores conocedores de la filosofía alemana hasta que tras el Holocausto tomó la decisión radical de eliminar de su obra cualquier referencia al alemán. Participó activamente en las protestas estudiantiles de Mayo del 68 y, hacia el final de su vida, movilizó a la prensa europea con un famoso debate público sobre la cuestión de la responsabilidad en la Shoá. Su extensa obra es una de las más consistentes y arriesgadas de la filosofía del pasado siglo. Es autor asimismo de un importante corpus musicológico, donde dedica especial atención a los músicos españoles y a su amigo Frederic Mompou. En los últimos años, esta vertiente de su obra menos conocida –y en particular La música y lo inefable (Alpha Decay, 2005)– está siendo reivindicada por los teóricos y críticos de la nueva música electrónica.
• Edición a cargo de Françoise Schwab. Traducción de Juan Gabriel López Guix revisada por Ramón Andrés.

«El mundo era un poco mejor cuando lo habitaba John Coltrane», escribió Charles Lloyd.
John Coltrane se confió raras veces a los periodistas; desconfiaba de que las palabras pudieran expresar lo que podía decir con su música. Su intensa calma y su extremada modestia, en contraste con la fuerza y la determinación de su música, confiere a estas entrevistas un carácter particular. Leer aquí las propias palabras de Coltrane (durante esas conversaciones con Michel Delorme en 1962 y 1963 y en una magnífica carta a Don DeMichael) es una manera excelente de acercarse lo máximo posible a lo más inexpresable e indecible de su música… «The rest is music».
[Traducción de Isabel Núñez].

Prólogo de Arnold I. Davidson. Traducción de Rosa Rius y Ramón Andrés.
«¿Qué es la música?, se pregunta Gabriel Fauré en busca del "punto intraducible", de la irreal quimera que nos eleva "por encima de lo que es..." Son los días en que Fauré esboza el segundo movimiento de su primer Quinteto, y aún no sabe qué es la música, ¡ni siquiera si es algo! En la música se da una doble complicación que genera problemas metafísicos y morales, una incidencia deliberada que alimenta nuestra perplejidad. Por un lado, la música es expresiva e inexpresiva a la vez, seria y frívola, profunda y superficial. Tiene sentido y carece de él. ¿Es un divertimiento fútil?, ¿o acaso se trata de un lenguaje cifrado, como el jeroglífico de un misterio? ¿O ambas cosas al mismo tiempo?» (VLADIMIR JANKÉLÉVITCH).

Jankélévitch elabora aquí una arriesgada propuesta, con el propósito de resolver uno de los grandes problemas de la filosofía contemporánea, legado del último Bergson y del pragmatismo de los Dewey, Peirce... ¿Cómo puede algo, sin condiciones de posibilidad, ser posible? De súbito, la música induce una radical transformación de la experiencia estética y permite la creación de nuevas condiciones de posibilidad. A cada paso, la música cumple lo imposible.